A Moda Mortal do Século XIX: Roupas com arsênico, chapéus com mercúrio e materiais altamente inflamáveis ​​na era vitoriana.

Uma ilustração chamada “A Valsa do Arsênico” faz alusão ao uso de arsênico na fabricação de roupas e flores artificiais. A ilustração apareceu na “Punch”, uma revista satírica britânica. Poucos meses antes do lançamento, um trabalhador da indústria da moda morreu de envenenamento por arsênico.

Cortesia da Bloomsbury and Wellcome Library , Londres.

Enquanto estava sentada em casa numa tarde de 1861, Fanny Longfellow, esposa do poeta Henry Wadsworth Longfellow, pegou fogo. Suas queimaduras foram tão graves que ela morreu no dia seguinte.  De acordo com seu obituário, o incêndio foi iniciado por “um fósforo ou pedaço de graveto” que caiu em seu vestido.

Naquela época, não era uma maneira particularmente incomum de morrer. Nos tempos de velas, lamparinas a óleo e lareiras, as saias rodadas e os vestidos esvoaçantes de algodão e tule usados ​​pelas mulheres em lares americanos e europeus representavam um verdadeiro risco de incêndio. As roupas de lã mais justas usadas pelos homens eram muito menos perigosas.

Mas o problema não era só a roupa: a moda daquela época era cheia de armadilhas perigosas. Meias tingidas com anilina causavam inflamação nos pés dos homens que as usavam, enquanto operários de fábrica desenvolviam úlceras e até câncer de bexiga devido à produção das meias. A maquiagem contendo chumbo danificava os nervos dos pulsos das mulheres, tornando-as incapazes de levantar as mãos. Pentes decorativos de celuloide usados ​​por mulheres como enfeites de cabelo explodiam quando ficavam muito quentes. Em Pittsburgh, um jornal noticiou que um homem com um pente de celulóide perdeu a vida enquanto “aparava sua longa barba grisalha”.  No Brooklyn, uma fábrica inteira de pentes explodiu .

Muitas roupas e acessórios da moda daquela época eram feitos com produtos químicos cujo uso hoje é proibido devido à sua toxicidade. Na verdade, foram os fabricantes, e não os usuários das roupas, que mais sofreram.

 

Chapeleiros Malucos

A expressão inglesa “mad as a hatter” (chapeleiro maluco) pode ter origem nos efeitos colaterais desta profissão, uma vez que os chapeleiros trabalhavam com mercúrio. Alguns estudiosos duvidam dessa explicação, mas mesmo assim muitos chapeleiros sofreram de envenenamento por mercúrio. Embora o ditado seja usado com certa leveza e o Chapeleiro Maluco de “Alice no País das Maravilhas” pareça bobo e engraçado, a doença dos Chapeleiros Malucos não era nada engraçada: o envenenamento por mercúrio é um caso debilitante e mortal.

Os fabricantes de chapéus começaram a tratar peles de lebre e coelho com mercúrio na década de 1730. Este chapéu foi feito no século XIX. Testes confirmaram que ele ainda contém mercúrio.

Foto de Ron Wood, Bata Shoe Museum.

Nos séculos XVIII e XIX, muitos chapéus de feltro para homens eram feitos de pele de lebre e coelho. Para colar essa pele e fazer feltro, os chapeleiros a pincelavam com mercúrio. “Era extremamente tóxico”, diz Alison Matthews David, autora de Fashion Victims: The Dangers of Dress Past and Present. “Especialmente quando você inala. Vai direto para o cérebro.”

Um dos primeiros sintomas foram problemas neuromotores, como tremores. Na cidade de Danbury, Connecticut, onde se fabricam chapéus, o produto era tão popular que ficou conhecido regionalmente como “ Danbury Shakes ”. Além disso, ocorreram problemas psicológicos. “Você fica muito tímido e muito paranoico”, diz Matthews a David. Quando os médicos visitaram os chapeleiros para registrar seus sintomas, “os chapeleiros pensaram que estavam sendo observados. Eles largaram suas ferramentas, ficaram com raiva e tiveram explosões.”

Muitos chapeleiros também desenvolveram problemas cardiorrespiratórios, perderam os dentes e morreram jovens. Embora esses efeitos tenham sido documentados, muitos os viam simplesmente como um risco ocupacional. Além disso, o mercúrio só causou problemas para os chapeleiros. Os homens que usavam os chapéus eram protegidos pelo forro dos chapéus.

“Sempre houve resistência das fileiras dos chapeleiros”, diz Matthews David sobre essas perigosas condições de trabalho. "Mas, honestamente, a única coisa que fez [a chapelaria de mercúrio] desaparecer foi o fato de os chapéus masculinos terem saído de moda na década de 1960. Esse foi realmente o momento em que a profissão morreu. Mas nunca foi proibido na Grã-Bretanha.”

Arsênico e renda

O arsênico era onipresente na Inglaterra vitoriana. Embora fosse conhecido como uma arma de assassinato, o elemento barato e natural era usado em velas, cortinas e papel de parede, escreve James C. Whorton em “ The Arsenic Century ”.

Como tingia o tecido de verde-claro, o arsênico também era encontrado em vestidos, luvas, sapatos e coroas de flores artificiais que as mulheres usavam para decorar seus cabelos e roupas.

Em 1910, o Comitê Britânico de Segurança contra Incêndios demonstrou em um experimento o quão altamente inflamável a flanela de algodão é. A vestimenta da esquerda foi tratada com retardante de chamas, enquanto a da direita não foi tratada e foi destruída pelas chamas em 60 segundos.

Foto de Bloomsbury e Wellcome Library, Londres.

As coroas, em particular, podiam causar erupções cutâneas nas mulheres que as usavam. Mas, assim como os chapéus de mercúrio, os chapéus de arsênico eram mais perigosos para as pessoas envolvidas no processo de fabricação, diz Matthews David.

Em 1861, uma fabricante de flores artificiais de 19 anos chamada Matilda Scheurer – cujo trabalho era polinizar flores com pó verde contendo arsênico – morreu de uma morte agonizante e “colorida”. Ela teve convulsões, vomitou e saiu espuma da boca. Sua bílis era verde, assim como suas unhas e o branco de seus olhos. Uma autópsia encontrou arsênico em seu estômago, fígado e pulmões.

Os artigos de jornal sobre a morte de Scheurer e a situação dos fabricantes de flores artificiais aumentaram a conscientização pública sobre o uso de arsênico na indústria da moda. O British Medical Journal escreveu que uma mulher vestida com arsênico “carrega veneno suficiente em suas saias para matar todos os admiradores que ela possa encontrar em meia dúzia de salões de baile”. Em meados do final do século XIX, tais alegações sensacionalistas fizeram com que o público se voltasse contra esse tom mortal de verde.

Segurança da moda

Preocupações públicas sobre o arsênico levaram à proibição do produto químico na indústria da moda – pelo menos na Escandinávia, França e Alemanha, mas não no Reino Unido.

Mas a invenção de corantes sintéticos também tornou mais fácil prescindir do arsênico, explica Elizabeth Semmelhack, curadora-chefe do Bata Shoe Museum, em Toronto, Canadá.

O arsênico era usado tanto como corante quanto como tinta. Não apenas as roupas verdes e as flores artificiais anunciadas neste desenho de 1840 continham arsênico, mas também a própria ilustração.

Cortesia Alison Matthews David.

Isso também levanta questões interessantes sobre a indústria da moda atual. Vestidos de arsênico podem parecer relíquias bizarras de uma era mais brutal, mas a moda mortal ainda está muito na moda. Em 2009, a Turquia proibiu o jateamento de areia . O tecido jeans é tratado com areia para lhe dar a popular aparência usada. No entanto, os trabalhadores desenvolveram silicose ao inalar os mais finos grãos de areia. “Esta não é uma doença curável”, diz Matthews David. “Se você tiver areia nos pulmões, você morrerá.”

Mas quando um método de produção perigoso é proibido em um país – e a demanda por roupas feitas dessa maneira continua alta – então a produção geralmente é transferida para o exterior (ou continua apesar da proibição). Em 2015, a Al Jazeera descobriu que algumas fábricas chinesas faziam jateamento de areia em roupas.

No século XIX, homens que usavam chapéus de mercúrio ou mulheres que usavam roupas e acessórios contendo arsênico ainda podiam encontrar as pessoas que fabricavam esses produtos nas ruas de Londres. Mas em nossa economia globalizada, muitos de nós não percebemos mais o impacto mortal que nossas preferências de moda têm sobre outras pessoas.

Por Becky Little
Fonte: https://www.nationalgeographic.de/geschichte-und-kultur/2018/10/die-toedliche-mode-des-19-jahrhunderts

A Pioneira Fotógrafa de Moda: Lady Clementina Hawarden

Lady Clementina Hawarden (1822 - 1865) é considerada a "primeira" fotógrafa de Moda. É daquelas mulheres que a gente admira por terem dado um passo à frente na história, porque no século XIX as mulheres ainda não tinham muito espaço socialmente. Naquela época, a fotografia era dominada por homens, com temas masculinos e principalmente arquitetônicos. O fato de uma mulher ter tido reconhecimento em sua época por apresentar temas femininos foi uma tremenda realização, mas também demonstra que ela teve acesso à essa tecnologia, possivelmente por sua condição social. 
Lady Hawarden trabalhava com uma câmera estereoscópica e fotografava na propriedade de sua família irlandesa em 1857 e continuou o seu trabalho quando se mudou para Londres em 1859. Lá, tirou fotos de suas três filhas mais velhas Isabella Grace, Clementina e Florence Elizabeth. As meninas foram freqüentemente fotografadas em poses românticas. Lady Hawarden exibia suas fotos, ganhou medalhas de prata em 1863 e 1864 e era admirada por Oscar Rejlander e Lewis Carroll, que adquiriu cinco imagens de autoria da fotógrafa. Recentemente, a coleção de fotos abaixo foi avaliada em £150,000, aproximadamente R$450.000,00.

Na foto abaixo, à esquerda, Isabella Hawarden usa um vestido diurno convencional e sua irmã Florence (a moça do lado direito) teve a crinolina removida para o vestido caber na foto. O curioso é que a gente tem a impressão de que mesmo com crinolina o vestido caberia na foto... e está usando um tecido branco adicional envolto de uma forma que reflete a forma do vestido de Isabella. Alterar as peças de moda com intuito de fotografar, nos lembra o trabalho atual dos stylists.

 

Aqui, aparentemente é o mesmo vestido branco acima:

Esta foto de Isabella foi usada na capa da obra de Wilkie Collins intitulada Woman in White. A imagem tem um ar de privacidade e mistério que caracteriza o trabalho de Lady Hawarden. 

Isabella e Clementina em vestidos boêmios. 
Opa! Você sabe o que é um vestido boêmio não é? Se não sabe, leia este post ;)
Não é curioso que quando tiramos aquelas roupas estruturadas dos vitorianos e eduardianos e colocamos neles roupas mais fluidas eles começam a parecer contemporâneos? Até mesmo pose das duas garotas abaixo é parecem atuais. Impressionante como vestir uma roupa sem estruturas altera a forma como se usa o corpo, não é?

Mais uma foto de uma de suas filhas. Lady Hawarden sempre as colocava em situações fantasiosas, pensativas ou melodramáticas...

... aqui por exemplo, as filhas Isabella e Clementina atuam num psicodrama como se estivessem em uma pintura narrativa.

Clementina canalizando grande emoção, num estudo de luz e sombra.

Clementina vestida como um homem com Isabella em trajes femininos

Abaixo, duas imagens de Clementina atuando como uma heroína trágica. Ela usa um véu, seria uma noiva abandonada?

Quartos silenciosos e escassamente mobiliados e mulheres em pose solenes usando roupas extravagantes. O mundo exterior é distante, como um sonho. Essa sensação de romance e fantasia caracterizam os temas góticos explorados na Era Vitoriana. As três filhas de Lady Clementina Hawardem parecem como versões crescidas de Alice do País das Maravilhas. A própria Lady Clementina conheceu Lewis Carroll como colega de fotografia. Na foto abaixo, referência à Alice? Em ambos os lados do espelho, um outro mundo:

Mais fotos, a maioria em interior de residência. Naquela época, mulheres ficavam muito mais no espaço privado do que no espaço público. 

Lady Clementina Hawarden morreu aos 42 anos em 1865. Tem sido sugerido que sua saúde estava gravemente afetada pelos produtos químicos utilizados nos processos fotográficos. Mesmo com uma vida tão breve, podemos a considerar uma das maiores fotógrafas do século XIX. Resgatar a História das Mulheres e valorizar seus contextos é importante - sem comparar com o trabalho dos homens - afinal, haviam limitações justamente por ela ser do sexo feminino. Que mais histórias de mulheres sejam resgatadas para apreciação.

O museu Victoria and Albert de Londres inclui em sua coleção, fotografias originais de Lady Hawarden [aqui].

Fontes Consultadas (texto e fotos):
- http://www.telegraph.co.uk/culture/culturepicturegalleries/9854840/Lady-Clementina-Hawarden-one-of-Britains-first-female-photographers.html?frame=2473604
- Parte traduzida do texto foi autorizado por email por David Walker do The Library Time Machine.

A Moda Feminina de 1863 a 1903

Década de 1860

A década de 1860 viu a decadência da crinolina na moda feminina e a silhueta se tornado menor. Em 1863, o formato da saia era reto na frente e projetado para trás numa forma elíptica, mangas  amplas e o pescoço enfeitado com golas altas em renda ou outro tecido delicado. Essa era a roupa do dia. A roupa da noite tinha golas mais baixas e mangas curtas usadas com luvas curtas de renda ou luvas de tecido sem dedos e as saias possuíam maiores crinolinas que as saias de uso diurno. Era comum um tecido de mesma estampa ser usado para dois vestidos, um para o dia, outro para a noite. Pequenos chapéus e flores enfeitavam os cabelos.

Trajes de 1864, crinolina de forma elíptica

Entre 1864 e 1867 a forma da crinolina começou a mudar. As mulheres tanto usavam a crinolina elíptica quanto a crinolette, uma peça que tinha frente e os lados pequenos e volume na parte de trás, mas com amplitude bem menor que a crinolina.

Foi nessa época surgiram também um tipo de calças folgadas ao estilo turco, chamadas de “bloomers” inventado pela ativista Amélia Bloomer Jenks, no entanto, a peça foi ridicularizada e acabou sendo adaptada para as meninas e para educação física feminina.

Lá por 1867 uma nova silhueta surge, apoiada desta vez pelo Bustle. O bustle dava volume nas saias na parte central de trás, o que fez com que os tecidos em excesso e os enfeites fossem transferidas para aquela região da saia. Em 1870, a moda eram vestidos em cores vibrantes, usando tecidos diferentes nas saias, sendo um liso e outro estampado. O chapéu ao estilo boneca (bonnet) dava lugar a chapéus pequenos, caídos sobre a testa ou penteados de cabelos presos. Um  tipo de jaqueta que formava uma sobre-saia foi muito usada.

Entre as décadas de 1870 e 1880, o bustle teve as mais diferentes formas. 

Durante um curto período entre 1878 e 1882, nenhum tipo de bustle foi usado e as costas dos vestidos eram mais retas, foi a era da "Silhueta Natural". A silhueta ainda cobria extremamente o corpo, mas agora, sem o bustle, as saias caíam em drapeados traseiros e longas caudas (mesmo de dia) e eram justas e estreitas na frente. Mangas longas (um pouco larguinhas) para o dia e decotes e braços de fora (com luvas) para a noite. Cabelos presos em coque com chapéu de dia e presos com cacheados enfeitados com flores à noite. Sempre caíam cachos de cabelos nas costas como que imitando a cauda da saia.

Em 1880, as mangas eram justas com um leve bufante nos ombros, a parte de cima do corpo podia ser enfeitada com babados cobrindo o ombro. A saia ficou com forma de trombeta, ainda com muito volume na parte de trás. O bustle reaparece em 1885 desta vez formando uma linha quase reta na parte de trás do quadril. Cores vibrantes permaneces e a mistura de dois tecidos é bem comum. A assimetria dos babados e drapeados também é característica. Chapéus pequenos em cabelos presos em coque.

 

Intelectuais e boêmios da época, incluindo Oscar Wilde abominavam essa moda. Algumas mulheres rebeldes, se recusavam a usar essas roupas e usavam trajes que seguiam a linha da moda, mas eram vestidos com leves referências medievais, mais soltos e sem espartilho rígido, eram os chamados  "vestidos artísticos". Repare nos vestidos artísticos abaixo como a cintura é menos rígida.

Os vestidos artísticos originaram os chamados "vestidos de chá", fluidos, usados ​​em casa, com a família ou para receber amigos próximos.

A moda dos bustles imensos acabou em 1889. 
Entre 1890 e 1900, as saias passaram a ter formato de sino caindo lisa pelos quadris, havia uma paixão por renda e muitas delas caiam pelos decotes; de dia as blusas tinham gola alta e  babados. Ainda nessa década, o espartilho alongou e fazia com que o corpo da mulher formasse uma silhueta em forma de S. Usavam luvas compridas à noite e leques imensos, as jóias eram extremamente coloridas. Havia exagero e ostentação em penas, pérolas, plissados, bordados, lantejoulas, rufos e outros ornamentos. Chapéus e flores adornavam as cabeças, usados com coques.  

A  década de 1890, foi uma década de mudança de valores, devido aos trajes esportivos estarem em voga, havia uma sensação de liberdade ainda que as roupas cotidianas fossem extravagantes. Abaixo, alguns trajes de 1900 a 1903.